Un año más la “Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca” ha cumplido con el reto de servir de aparador de la danza y del teatro contemporáneo y, con esto, favorecer su circulación extensivamente por los teatros y espacios escénicos.
Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco
Juntamente a la presentación de las obras de los artistas escénicos, en la “Feria de Huesca” se han revisado las nuevas ideas que han de ayudar a dar contenido a la producción y difusión de las artes escénicas contemporáneas.
Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco
Las “Jornadas Internacionales de Artes Escénicas” estuvieron marcadas por la expectación ante el surgimiento de un nuevo paradigma de la difusión escénica. Con la esperanza de que este nuevo paradigma ha de transformar muchas de las incomodas realidades en que se encuentra inmersa la gestión de la cultura en la actualidad, la “Jornadas Internacionales” desgranaron una a una las “Razones para Programar Danza y Teatro Contemporáneo en Tiempos de Crisis” y en los tiempos posteriores que han de venir.
Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco
Ya pueden leerse las ponencias presentadas en la Feria de Huesca descargandolas del enlace: http://www.feriadeteatroydanza.com/es/jornadas/ . Una documentación muy valiosa que permitirá proyectar el debate mucho más allá de lo que fue la propia Feria.
Una preocupación que siempre me ha acompañado ha sido conciliarel arte contemporáneo con la práctica amateur. Hoy por hoy por un lado encontramos el trabajo de artistas profesionales que ofrecen nuevas lecturas del mundo que nos toca vivir, y del otro, una práctica amateur que mayoritariamente repite modelos y estereotipos arcaicos. En el teatro está práctica es más que evidente y la actividad amateur se queda en mera comedia; pobremente interpretada en un intento de emular a los intérpretes reconocidos.
No tiene mucho sentido considerar la práctica amateur o “comunitaria” si los resultados no ofrecen nada nuevo, si sólo ofrecen entretenimiento barato para familias y amigos; la justificación de la “cohesión social” no se sostiene por si sola. Tampoco me contento con pensar que en la práctica “comunitaria” lo que importa es el proceso y no el resultado ya que si el proceso es bueno, el resultado que se muestre debería estar a la altura de este proceso.
Comiendo y actuando
Mi impresión es que hay que cambiar la cultura de la práctica amateur adaptándola a los nuevos tiempos y que hay que exigir una ambición artística de la cual en la mayoría de los casos se carece. Anteponer calidad, contemporaneidad y profesionalidad no ha de ser contradictorio con el trabajo de personas que sienten las artes escénicas lejos de su actividad habitual o como vehículo para conectar con la realidad de las personas de su entorno.
Variedad de espacios y disciplinas en el teatro comunitario
Explico esto porque hace un par de semanas tuve la oportunidad de ver un trabajo del grupo de teatro holandés “Rotterdams Wijktheater – RWT” (la traducción más o menos sería “Grupo de Teatro Comunitario de Rotterdam”). Este grupo de teatro es un buen ejemplo de la manera efectiva con que se puede trabajar con las personas del barrio y hablar de la realidad del entorno que les rodea. En realidad se trata de un grupo profesional que realiza todas sus producciones con gente amateur. Durante un periodo de tiempo realizan un trabajo de dramaturgia e interpretación con la gente del barrio, de manera que al final sale un espectáculo interpretado por los propios vecinos que hablan de la realidad cotidiana de ellos mismos.
Encuentro multietnico
El espectáculo que pude ver en Rotterdam se titulaba “Kaap Goede Hoop” (Cabo de Buena Esperanza) y hacía un recorrido por un barrio degradado de la ciudad en donde sus habitantes explicaban sus vivencias, recuerdos y relaciones. Durante cuatro horas y en distintos espacios del barrio, los vecinos revivían su pasado y se enfrentaban al presente multiétnico e intergeneracional con total voluntad de superar las diferencias que los separan.
Lo más interesante de la experiencia es que los actores se enfrentaban a sus personajes con total naturalidad sin querer expresar nada más allá de lo que ellos mismos son. Por otra parte se utilizaban los recursos expresivos que cada uno de ellos posee sin querer obtener resultados de sus carencias naturales. Además, la acción se adaptaba a los espacios que se visitaban (casas de vecinos, bares, gimnasios, patios, etc.) y no al revés, de manera que el relato era perfectamente coherente con el entorno.
En definitiva, la apuesta por un teatro participativo, comunitario o amateur además de ser totalmente necesaria para ampliar la actividad artística en nuestra sociedad, debe ser hecha con rigor, primando la calidad, utilizando los recursos escénicos naturales de las persones y hablar de la realidad profunda de estas personas y sus comunidades.
Lo excepcional de las herramientas de las redes sociales es que todas están interconectadas. Publico un artículo en mi blog de WordPress y inmediatamente pasa a Twitter.
Al tener Twitter conectado con Facebook, pues va directamente a Facebook, y asi hasta le infinito. Cosas de la técnica.
Solo es una prueva pero si quieres seguir leyendo puedes ir a los otros artículos de este blog o a los blogs en Inglés y Catalán.
La semana pasada conocí por “filtraciones” a la prensa la grave crisis que estaba atravesando el CoNCA (Consejo de las Artes de Cataluña). A muy pocos meses de su nacimiento y después de tantos esfuerzos y confrontaciones para renovar el modelo de gestión de la cultura de Cataluña parece que este se tambalea, y precisamente por cuestiones internas.
Foto de familia del día que se aprobó la ley. Nos la prometíamos felices
Al introducir este nuevo modelo muchos profesionales de la cultura nos implicamos para desarrollar unas formas de organización que anulasen tantas limitaciones a la democracia que, en particular, arrastran los países latinos. Especialmente el sector cultural se ve muy afectado por el clientelismo político, el amiguismo y la falta de autonomía. El nuevo modelo debía dar capacidad a los artistas y profesionales de las artes para decidir sobre las ayudas públicas y las políticas de desarrollo y difusión de las artes.
El modelo de Consejo de las Artes representa también una nueva manera de tomar decisiones. Este plantea un funcionamiento horizontal y participativo en que los propios profesionales del sector actúan como expertos conocedores de la realidad cultural. Este sistema conocido como “evaluación entre iguales” (peer assessment en lenguaje internacional) pretende que el funcionamiento de los Consejo de las Artes sea más democrático y escape de personalismos y decisiones unipersonales.
El Presidente desautorizado
La crisis del CoNCA, según comenta mayoritariamente la prensa, ha sido debida al enfrentamiento de los Consejeros contra un Presidente tildado de “autoritario” y “presidencialista”. Este Presidente Xavier Bru de Sala ha sido rechazado mayoritariamente por 10 profesionales de la cultura y las artes de larga trayectoria y reconocido criterio profesional y, este hecho, no se puede dejar de lado actuando de la forma tan catalana de “la ropa sucia se limpia en casa”. De ninguna manera, este tema es fundamental para avanzar en los comportamientos democráticos de las personas y, especialmente, del sector de la cultura.
Hoy el problema de la credibilidad de nuestras instituciones no está tanto en las leyes como en la “actitud” de las personas acomodadas a los estilos de los clanes jerárquicos. Como si necesitáramos la tutela de la autoridad para decidir nuestro destino sin pelearnos. Es al contrario, son las imposiciones de los autoritarios lo que nos lleva a tener que pelear.
La solución al problema del CoNCA es evidente y así la ha tomado de manera valiente la mayoría del Consejo de las Artes de Cataluña. Este señor tenía que dimitir y dar paso a un funcionamiento colegiado, consensuando las principales decisiones entre todos sus miembros. A partir de ahora el Consejo debe seguir trabajando en los temas que preocupan e invertir la crisis en una oportunidad para profundizar más en el modelo que todavía está prácticamente por descubrir.
Parece mentira que en un momento de la historia en que los humanos nos comunicamos y participamos de manera horizontal en redes globales todavía haya personas (y otras que les dan apoyo) que no entiendan que el mundo evoluciona en otra dirección. Ahora mismo oigo en la radio referencias a la famosa fase del ex vicepresidente del Gobierno español Alfonso Guerra cuando dijo “quien se mueva no sale en la foto”. Este personal autoritario debería aprender a demostrar su liderazgo convenciendo de la bondad de sus propuestas y no imponiéndose utilizando un autoritarismo caduco.
Publicado originalmente en La Coctelera el 6-Mayo-2009
Después de todo el proceso de conceptualización, diseño y, la semana pasada, realización del MACC, ha quedado este magnífico manifiesto. Ha valido la pena las energías invertidas para llegar a sintetizar en estas líneas las inquietudes de artistas y profesionales de la cultura ante el papel de las artes y la creación artística en el mundo que se avecina.
Momentos del MACC
Manifiesto MACC
1. Somos una comunidad de creadores que, desde macc, concibe la creación contemporánea como un ejercicio radicalmente distinto al del pasado y que nos exige nuevas responsabilidades artísticas y sociales.
2. La creación contemporánea no gira, como en las prácticas convencionales, alrededor del producto sino del proceso. La creación nos enfrenta más a un trayecto que a un resultado, más a un procedimiento que a una meta. En el arte y la cultura de comienzos del siglo XXI más que las obras o las piezas, importan las experiencias, los caminos. Más que el qué, el cómo.
3. Ya no es significativa la disciplina que el creador practica, sino su actitud ante el proceso de creación. Da igual que sean las artes plásticas, el diseño audiovisual, la música, la arquitectura, las artes escénicas o la literatura; da igual que uno sea artista o artesano; que cree productos o propicie vivencias. Lo que importa es la actitud con que lo haga. Hoy, creador es quien hace pan o quien lo lanza al público en una perfomance. O ninguno de los dos.
4. La creación no es sólo el ejercicio individual del artista sino el talento colectivo de los grupos. Antes se entendía que el proceso creativo se limitaba a la acción del artista. Ahora sabemos que en ese proceso intervienen otros actores sin los cuales no hay creación. Porque el creador ya no está sólo frente a la obra. Su trabajo depende también del trabajo de los otros. No hay creación contemporánea si no admitimos esa interdisciplinariedad.
Momentos del MACC
5. El reconocimiento de lo colectivo, del carácter colaborativo de los procesos creativos, nos obliga, incluso, a revisar el concepto de autoría, el concepto de propiedad intelectual. Lo contemporáneo ha difuminado las fronteras entre el autor y el usuario, entre la creación y la función de lo creado.
6. La creación contemporánea no entiende de especialidades. En nosotros se hace evidente que el mestizaje y la diversidad es el argumento principal de la vida. La hibridación es consustancial a las nuevas tendencias creativas. Ni siquiera hay creadores para la cultura, sino desde la cultura.
7. El proceso artístico no es sólo estético sino ético. Para superar las crisis, como ésta que ahora nos preocupa, es necesario figurarnos lo que no existe. Y los creadores, acostumbrados a la imaginación, reclamamos nuestro papel como imaginadores del futuro. El creador tiene una responsabilidad ante los tiempos, aunque sea sólo la responsabilidad del presentimiento, de la visión que niega la evidencia. Porque si las certezas repiten modelos conocidos; los presentimientos, en cambio, proporcionan nuevas posibilidades.
8. macc ni es ni quiere ser un exhibidor de artistas; sino un exhibidor de procesos creativos. Con esa voluntad, y con la de seguir siendo punto de encuentro, proclamamos nuestra voluntad de seguir encontrándonos aquí o en cualquier otro sitio del Atlántico.
Repetidamente nos enfrentamos al hecho de la escasa presencia del teatro y la danza más innovador y vanguardista en las programaciones estables de los teatros. Las razones que se esgrimen son muy diversas, aunque la mayoría inciden en la falta de aceptación por parte del público. Este, mayoritariamente habituado a las artes escénicas como mero entretenimiento o como reflejo de una educación sustentada en el patrimonio y la historia por encima de los procesos de creación contemporánea, no asume con facilidad las nuevas corrientes de las artes escénicas. Además, en tiempos de crisis, las administraciones públicas recortan gastos en las partidas de cultura que reciben menor consideración popular.
Sean cuales sean las razones, en estas Jornadas vamos a ser positivos y no quedarnos en la descripción de una realidad de por sí difícil para la creación escénica contemporánea. Por lo tanto, hemos invitado a nueve personas relevantes de diferentes ámbitos de las artes escénicas internacionales para que nos den sus razones por las cuales consideran que los espacios escénicos hoy día deben programar creación contemporánea. Cada uno de los ponentes va a ser testimonio de una evidencia por la cual han destacado y, todos ellos juntos, podrán confeccionar un argumentario detallado con el que defender la conveniencia de una programación de riesgo e innovadora en los teatros.
En palabras más actuales: en las Jornadas nos gustaría discernir cuales son las razones para un I+D+i de la exhibición escénica en el momento histórico actual. En el “Año Europeo de la Creatividad y la Innovación” e inmersos en una crisis global de proporciones todavía desconocidas, el recurso a la creación artística más innovadora se intuye como un detonador para un nuevo desarrollo social, económico y, también, personal. En las artes escénicas este detonador se concreta en la contemporaneidad de las propuestas artísticas y en su accesibilidad para la mayoría de la sociedad.
Miércoles 30 de Septiembre
Mesa 1 – Razones artísticas
Apostar por el arte y que este sea accesible a los ciudadanos no debería necesitar justificación alguna. El “arte por el arte” ha sido uno de los principales argumentos de las escuelas filosóficas desde tiempos remotos: “la necesidad del arte se justifica por sí mismo”. En este contexto ¿en qué lugar se sitúa el arte escénico contemporáneo? ¿tiene también valor en sí mismo? si es así ¿que lo define y que lo diferencia de otras disciplinas escénicas?
Jueves 1 de Octubre
Mesa 2 – Razones socioeconómicas
El argumento del progreso económico es el que últimamente más se ha usado en España por políticos y administraciones para justificar su apoyo a las artes. Pero, ¿están las artes contemporáneas capacitadas para reactivar una economía en crisis? ¿una sociedad necesitada de innovación puede echar mano a la creatividad de los artistas? ¿hacen falta mentes creativas para un nuevo tipo de sociedad? ¿no sería un primer paso educar en la creatividad?
Viernes 2 de Octubre
Mesa 3 – Razones sociales y personales
La creación contemporánea se nutre de la realidad de la sociedad en que se desarrolla para nuevamente devolverla a ella. Sus receptores, individuos y colectivos, se sensibilizan, se transforman, desarrollan su propia creatividad, fortalecen la capacidad de convivir y pueden llegar a superar las barreras de la exclusión. Con todo ¿es la población receptiva a la creación contemporánea? ¿su capacidad transformadora repercute en sus practicantes? ¿hay creación más allá de la Academia?
